“Estoy feliz, para mí es un sueño conocer a Los Ángeles Azules. ¿Quién no ha bailado y movido la cabeza con ellos? Ya dejé ‘La Trompeta’, ‘La Arrechazada’ y ahora me animé a cantar ‘Nunca es suficiente’, un tema que me encanta. Me dicen que Natalia Lafourcade hizo un feat con ellos… ¿por qué yo no? A cambio, yo les prometo tocar la trompeta”, sostuvo entre risas.

Cabe señalar que Los Ángeles Azules llegan con su marco musical completo, tras una exitosa gira que ha recorrido México y diversos países, donde su música es ampliamente reconocida y celebrada. No por algo, sus temas han sido galardonados con múltiples premios y su trayectoria habla por sí sola.

Fundados en la década de los 70 en Iztapalapa, México, Los Ángeles Azules han logrado posicionarse como uno de los máximos referentes de la cumbia a nivel mundial. Su estilo inconfundible, que mezcla sonidos tradicionales con arreglos modernos, los ha llevado a colaborar con grandes artistas internacionales y a conquistar nuevas generaciones. Canciones como “Cómo te voy a olvidar”, “El listón de tu pelo” y “Nunca es suficiente” se han convertido en verdaderos himnos que trascienden fronteras y épocas.

Los Ángeles Azules llegan a Lima para cautivarnos con todos sus éxitos y deleitarnos con la cumbia romántica que ha enamorado al mundo. La cita es este viernes 08 de mayo en un único y espectacular concierto en Costa 21. Las entradas ya están disponibles en Teleticket.

Escrita por Andrew Bovell y dirigida por K’intu Galiano, la historia sigue a una familia conformada por una madre (Mónica Sánchez), enfermera y eje del hogar, y un padre (Carlos Mesta) que, tras jubilarse antes de tiempo, intenta mantener el orden. El elenco lo completan Karina Jordán, Sebastián Ramos, Verónica Infantes y Pedro Ibáñez.

El conflicto se despliega a partir de los hijos adultos, cuyas decisiones en torno al trabajo, la pareja y la identidad ponen en juego tensiones de afecto, dependencia, expectativas y conflicto que conviven desde el inicio dentro de la familia.

También desde su propia historia, Carlos Mesta reconoce esas tensiones. En entrevista con el diario OJO, contó que creció en un entorno donde se valoraba la estabilidad y una profesión “segura”, y que durante años postergó su vínculo con el teatro para responder a esas expectativas antes de retomar su camino en la actuación.

A través de esta obra, ¿ha cambiado en algo tu mirada sobre la paternidad?

Cada montaje trabajado deja algo. Y en este caso, con K’intu Galiano, siempre aparecen cosas nuevas. Una de las cosas que me decide a hacer un proyecto es si me va a dar una experiencia distinta. Y aquí encontré reflexiones sobre la paternidad, la protección, el amor. También confirmé que si uno vive resolviendo las cosas en relación con lo que espera aparecen las frustraciones. Es mejor trabajar con lo que realmente ocurre.

¿Hubo algo del personaje que te incomodó o te confrontó?

Tengo que identificarme con todo. Si un actor quiere que su personaje sea verosímil, necesita reconocer ese mundo emocional en sí mismo. Si no lo conozco, no lo puedo construir. No hubo algo que me incomodara. Si algo me incomodara profundamente, no podría hacerlo. Como actor necesito cierta distancia, haber procesado esas emociones para poder ordenarlas, vivirlas y mostrarlas en escena. Si no, uno mismo las rechaza.

La obra es muy emotiva, pero también tiene momentos de humor. ¿Cómo manejan esa energía en escena?

No hay dolor sin humor. Si todo fuera drama, no habría drama. La vida es compleja, y eso está en la obra. Ricardo Blume, mi maestro decía, “Cuando todo es importante, nada es importante”. Lo que hacemos en el escenario no es no sufrir, sino imaginar, por supuesto, y nadie imagina lo que no recuerda y recordamos lugares y sensaciones. Eso pueden ser dolorosas, pero no son para traerlas a sufrir al escenario, sino para entenderlas. Y yo creo que el llanto, las lágrimas del público también, no solamente no necesariamente son de dolor, sino de revelación.

En lo personal, ¿qué te pasa a ti cada vez que entras a escena con esta obra?

Una de las cosas que me pasa en cada función es que se vuelve una experiencia de sanación. Entro al escenario pensando en esta familia que tengo ahí, en esa nueva verdad, y simplemente vivo los momentos, escuchando y estando presente en relación con el otro. A veces llego al teatro como cualquiera, con problemas, con cansancio físico o anímico, pero al final de la función desaparecen. Desaparecen completamente. Creo que tiene que ver con eso, con que la actuación es un ejercicio de desprendimiento y de escucha del otro.

¿Qué te dice la gente cuando termina la obra?

Se descubren a sí mismos. Hace poco, un espectador se me acercó con su familia. Pensé que quería una foto, pero me dijo que quería un abrazo. Y mientras nos abrazábamos me decía que le había recordado a su padre. Ese recuerdo no es solo memoria, es todo lo que viene con ella. Otro amigo me escribió que la obra lo dejó muy movido, pero con una reflexión que reconstruye. Creo que eso resume bastante bien lo que pasa.

En la obra, tu personaje se percibe más pasivo frente a una figura tan fuerte como la que interpreta Mónica Sánchez. ¿Cómo evitaste que esa pasividad se sienta plana?

Al inicio también lo percibí así. Pero no se puede actuar la pasividad. No era alguien que dejaba de hacer cosas, sino alguien que actuaba de otra manera. Podía estar resistiendo, tolerando por amor, acompañando a sus hijos mientras su esposa los confrontaba. Mi personaje apacigua, comprende, protege. También hay momentos en los que está haciendo algo concreto, como barrer hojas, mientras se pregunta qué está haciendo ahí. Hay un conflicto interno constante, y desde ahí se construye.

¿Qué te hizo decir que sí a este proyecto?

Primero, el director. K’intu Galiano es uno de los mejores directores jóvenes que tenemos. Ya habíamos trabajado juntos y la experiencia fue muy buena. Luego, la obra, que es extraordinaria. Además, fue sugerida por Alberto Ísola, que tiene un conocimiento enorme del teatro. También influye el espacio, el Teatro de la Plaza, y el elenco. Siempre digo que más importante que la obra es con quién vas a trabajar. Y aquí encontré una familia en escena.

¿Cuándo entendiste que la actuación no iba a ser algo pasajero en tu vida?

En el colegio de los jesuitas descubrí que quería hacer teatro, en tercero de media. Como decía Lucho Peirano, no era que me gustaba, era que lo hacía en serio. Pero lo postergué. Estudié Arquitectura porque en mi familia me pedían un título. No me arrepiento, porque eso también me llevó a la escenografía.

¿Y qué te hizo volver definitivamente?

La intuición. Yo creo que uno tiene un camino. Postergué el teatro, pero volví. En el 84 entré a la escuela de Ricardo Blume, y eran tiempos difíciles, tiempos de terrorismo. Empecé a hacer teatro cuando había bombas alrededor. Yo estuve a unas cuadras de Tarata. Cuando explotó la bomba, estábamos en un montaje. El techo del auditorio saltó y nos enteramos de que había sido la bomba de Tarata, y seguíamos haciendo teatro. Recuerdo que en los camerinos de la Asociación Ricardo Blume nos maquillábamos para salir y decía: “¿Para qué salgo?, ¿para qué hago esto?”, mientras el país se desangraba. Y uno se pregunta lo mismo, si hay necesidad de uno en tantas otras cosas. Pero finalmente creo que cada uno cumple una función.

Creciste en un entorno muy vinculado a la medicina, incluso tu esposa es dentista. ¿Cómo fue para ti inclinarte por un camino tan distinto como la actuación?

Yo creo que el trabajo de cada uno tiene su dimensión. Si la medicina cura cuerpos y otros curan economías, creo que nosotros, los actores, curamos almas, y por lo menos eso es lo que yo quiero creer y sentir cuando estoy en el escenario. Mi esposa es odontóloga, incluso hasta la elección de mi esposa tuvo que ver con la medicina, quería emparentarme con esa idea de la curación. Pero lo que hacemos nosotros no se ve inmediatamente ni es tan visible. Se ve interiormente y con el tiempo, ¿no?

¿Sigues haciéndote esa pregunta?

No para dejarlo. Nunca he pensado en alejarme. Más bien, con el tiempo entendí que cada uno cumple un rol. Si la medicina cura cuerpos, creo que el teatro puede tocar algo más interno. Eso no siempre se ve, pero está ahí. Y en ese sentido, siento que he tenido una vida plena en el teatro.

La obra “Las cosas que sé que son verdad” se presenta en el Teatro La Plaza (Larcomar) hasta 24 de mayo de 2026. Las entradas están disponibles en Joinnus y la web del teatro.

Durante el concierto, el artista no dudó en expresar su emoción por el recibimiento del público peruano: “Gracias a todos los peruanos por su amor y cariño. Me los llevo en el corazón”, declaró, desatando la euforia de los asistentes.

Ryan Castro demostró por qué es considerado uno de los artistas más influyentes del género urbano actual, interpretando sus temas más populares como “Monastery” junto a Feid, “Mujeriego”, “Jordan”, “Quema” con Peso Pluma y SOG, “Una Noche en Medellín”, “Jaleo” y “X 1 Beso”, todos coreados de principio a fin por el público limeño.

Nacido en Medellín, Colombia, Ryan Castro —conocido también como “El Cantante del Ghetto”— inició su carrera en las calles y el freestyle antes de alcanzar la fama internacional. Su estilo, que mezcla reggaetón, dancehall y sonidos urbanos, lo ha llevado a posicionarse entre los artistas más escuchados en plataformas digitales en Hispanoamérica y a colaborar con grandes figuras del género.

El artista se encuentra actualmente en una gira internacional que lo ha llevado por distintos países de la región, y Perú no fue la excepción. Su presentación en Lima dejó una huella imborrable, con un espectáculo que mantuvo al público de pie de inicio a fin.

Antes de despedirse, el cantante prometió volver muy pronto al país, reafirmando el cariño que siente por sus seguidores peruanos. Sin duda, una noche que confirma que el fenómeno Ryan Castro sigue en ascenso… y Perú ya forma parte de su historia.