Su participación representa un nuevo capítulo en la historia de una artista que comenzó construyendo su camino como compositora para algunos de los nombres más importantes de la música latina y que hoy ocupa un lugar protagonista en escenarios internacionales. A través de sus canciones, Elena Rose ayudó a dar forma a algunos de los grandes éxitos de otros artistas antes de llevar esa misma sensibilidad y visión a su propia carrera. Su llegada a Le Défilé es una expresión de ese recorrido: pasar de escribir las historias de otros a convertirse en protagonista de la suya.

Como socio oficial de la Semana de la Moda de París, la reconocida marca de belleza celebrará el próximo 28 de septiembre una nueva edición de Le Défilé, su desfile anual abierto al público, que tendrá como escenario la Place Joffre, entre la Torre Eiffel y la École Militaire. La cita reunirá moda, belleza y diferentes expresiones artísticas en una celebración de la confianza, la autoexpresión, la inclusión y el empoderamiento femenino.

La presencia de Elena Rose amplía el carácter internacional de Le Défilé y suma a esta celebración una perspectiva latina, a través de una artista cuya historia conecta con una nueva generación de mujeres que están construyendo su propio camino y atreviéndose a ocupar espacios que antes parecían lejanos.

Con 15 nominaciones al GRAMMY y Latin GRAMMY, Elena Rose ha construido una trayectoria que conecta la composición y la interpretación. Como compositora, ha participado en la creación de canciones para algunos de los nombres más importantes de la música latina y, en 2025, recibió el Latin GRAMMY a Canción del Año por su trabajo como compositora. Como intérprete, su carrera también ha alcanzado importantes hitos internacionales, entre ellos el reconocimiento como Billboard Chartbreaker y el BMI Impact Award 2026, convirtiéndose en la primera mujer latina en recibirlo.

“Cuando era niña soñaba con estar en grandes escenarios y no podía imaginar hasta dónde me iba a llevar la música. Hoy estar en París y ser parte de un momento como este me hace pensar en todo lo que ha pasado desde entonces. Qué bonito es mirar hacia atrás y saber que esa niña que soñaba en grande todavía vive en mí”, Elena Rose, artista venezolana.

Su participación también conecta con el espíritu de “Tú Lo Vales”, una de las plataformas de L’Oréal Paris para celebrar la confianza y el valor personal. En el caso de Elena, este mensaje encuentra una expresión particularmente significativa: una artista que creyó en su talento construyó su propio camino y hoy se atreve a ocupar nuevos espacios desde su autenticidad e identidad.

Elena Rose compartirá la pasarela con un diverso grupo de figuras internacionales vinculadas a la marca de belleza, entre ellas Simone Ashley, Viola Davis, Cara Delevingne, Jane Fonda, Kendall Jenner, Eva Longoria, Andie MacDowell, Aishwarya Rai y Kristen Bell, quien se suma este año al elenco.

La edición 2026 de Le Défilé se realizará el 28 de septiembre a las 2:00 p. m. hora Colombia y podrá seguirse en vivo a través de las plataformas digitales de la firma francesa.

En esta etapa final, conversamos con Gianella, quien asumió el personaje de Tanya después de Rebeca Escribens, sobre el reto de incorporarse a un elenco que ya venía trabajando, su experiencia con los musicales y la representación de las mujeres de 40 y 50 años en el arte.

Has participado en varios musicales. Empezaste con “La jaula de las locas” en 2010, luego vino “Planchando el despecho” y ahora regresas a Mamma Mia!. ¿Qué encuentras en este formato que te sigue llevando al escenario? Hacer musicales es un desafío grande porque mezclas diferentes disciplinas. Cantas, bailas, actúas y todo ocurre dentro de una misma escena, dentro de una misma historia. De alguna manera tienes que incorporar las tres cosas para que sean orgánicas y sigan contando la historia. Creo que es una forma maravillosa y muy completa que, como actores, nos reta muchísimo. Además, en el caso de Mamma Mia!, tenemos un ensamble increíble, hermoso, lleno de energía y muy talentoso. Eso nos ha generado un doble desafío, poder estar a la par de ellos y sumarnos a esa energía y ese talento que tienen.

A pesar de toda la experiencia que tienes en musicales, ¿sigues poniéndote nerviosa antes de salir al escenario? Sí, siempre me pongo nerviosa. Creo que el día que no me ponga nerviosa ya no va a ser tan divertido, porque ponerte nerviosa también te pone alerta y ese pequeño vértigo hace que todo sea más emocionante. En esta puesta de Mamma Mia! yo entré a la mitad. Todos ya tenían meses previos de ensamblaje y un ritmo incorporado. Entonces yo tenía que subirme a un caballo que ya estaba en movimiento. Sí me daba muchos nervios y en un momento decía “ay, Dios mío, esto no me va a salir”. Además, Tanya tiene uno de los números donde más baile hay, Does Your Mother Know, y yo miraba ese número y decía “Dios mío, ¿cómo voy a hacer esto?”. Realmente estaba muy fuera de mi zona de confort. Si bien ya había hecho musicales, creo que nunca había bailado tanto. Me costó ensayar mucho durante semanas, cuatro horas diarias, y recién a las dos semanas empecé a relajarme y a divertirme.

¿Qué descubriste de ti al interpretar a Tanya? Tanya ha sido un desafío, un desafío bonito. El personaje está bien lejos de mí, lo cual también me implicaba poder encontrar otras cosas, ir un poco más allá. Yo creo que yo soy más tímida y Tanya es totalmente desinhibida. Ha sido divertido poder entrar en el personaje y permitirme todas esas cosas que hace Tanya.

Tú y Rebeca son amigas, pero también existe una comparación inevitable porque las dos interpretan a Tanya. ¿Cómo construyes tu propia versión sin sentir el peso de lo que hizo la actriz anterior? Por eso decimos todo el tiempo que está súper que vengan a ver las dos propuestas. Creo que es muy interesante cuando un actor distinto toma un mismo personaje porque, por más que sea el mismo texto y la misma puesta en escena, cambia completamente el personaje. Cambia porque está encarnado por otra persona y eso es lo maravilloso de los actores. Ningún actor es igual. Tenemos diferentes energías y diferentes corporalidades. De hecho, el primer día que hice función me pusieron unos tacos altísimos y yo soy alta de por sí. Entonces Tanya, de golpe, pasó a medir unos 20 centímetros más. Todos me miraban para arriba y hacían chistes con mi altura. Ya de entrada, ahí cambió Tanya. También es lindo permitirle a una historia tener diferentes actores y diferentes miradas porque siempre termina creciendo.

Más allá de la altura y del baile, ¿qué fue lo más importante para ti al construir esta nueva Tanya? Creo que no solamente cambia físicamente, sino también energéticamente. Yo tengo otros tiempos, le doy otra lectura al personaje porque soy otra persona. También agradezco enormemente que me hayan permitido tener la libertad de ir jugando un poco con el personaje, con los textos y con mis compañeros, y poder ir encontrando mi propia Tanya. Creo que eso ha sido lo lindo de todo este proceso.

El público recibe una historia llena de alegría, pero también hay momentos que lo conmueven. ¿Qué crees que hace que Mamma Mia! conecte tanto? De verdad que se ha armado una familia muy bonita. Siempre digo que ustedes, los espectadores, ven una fiesta afuera, pero adentro hay otra fiesta. Es un grupo muy unido y con muy buena energía. Mamma Mia! habla de temas absolutamente universales, como el amor, el nido vacío, dejar ir a los hijos y las relaciones entre padres e hijos. En mi caso, habla de la posibilidad de enamorarte ya siendo grande. Creo que toca muchos niveles del amor y eso hace que la obra sea tan humana y conecte directamente con el público. Y al final, cuando nos ponemos las lentejuelas, salimos a bailar y se prende esa bola de espejos que ilumina todo el teatro, es la cereza sobre el helado. Es una fiesta gigantesca que se arma con las mil personas que están en el Teatro Peruano Japonés. La gente se va feliz y nosotros también salimos felices todas las noches.

Has trabajado musicales tanto en cine como en teatro. ¿Qué cambia cuando cantas y bailas frente a una cámara y cuando lo haces frente al público? En el teatro lo estás haciendo en vivo y lo tienes que repetir todas las veces. Es muy demandante porque no puede pasarte absolutamente nada. No puedes quedarte sin voz, físicamente no te puede pasar nada. Tienes que dormir y tener energía para hacer estas dos horas y media de función, bailando, cantando y haciendo todos los cambios. La voz es un instrumento que se afecta con todo. Si no dormiste, si te estresaste, si estás nervioso, si estás triste, si te agarra un virus, todo tiene que ver con la voz. La voz es como tu energía pura. En el cine, cuando hicimos Locos de amor, lo hermoso es que puedes grabar primero las voces. Puedes hacer muchísimas tomas hasta encontrar esa interpretación que sientes que está perfecta para el personaje y para ese momento. Después grabas la escena con esa voz y esa canción ya grabadas. Además, tienes esa canción sonando que te ayuda enormemente a entrar en la emoción cuando estás grabando la escena. Son cosas completamente distintas y hermosas las dos. El teatro tiene a la gente ahí y ese hecho teatral que está sucediendo en el momento. Todos los días es diferente. El cine tiene esto de poder repetir y repetir hasta que realmente quede como tú quieres o como el director quiere. No podría elegir.

Compartes escenario con un elenco bastante joven. ¿Qué te están enseñando ellos y qué crees que tú puedes aportarles? Creo que lo que tienen es maravilloso porque habla de un medio que hoy permite que los jóvenes estudien desde muy pequeños y se preparen mucho más. Nosotros, los mayores, decimos, “wow, qué talentosos, qué bien entrenados, cuánto saben”. Creo que nosotros, a su edad, en nuestra época, no teníamos ni siquiera dónde hacerlo, aunque hubiéramos querido. Es lindo ver en ellos que hay una evolución para bien de nuestro medio, de nuestras escuelas y de la propuesta artística que hay para la gente joven que quiere estudiar y prepararse. Ya sea que finalmente vayan a ser actores o no, creo que el arte es una herramienta maravillosa para cualquiera. Es hermoso verlos tan jóvenes y tan preparados. Todos son increíblemente capos. Tan capos que a nosotros, los mayores, nos subieron la valla muchísimo y nos pusieron muy nerviosos, y eso es hermoso. Es hermoso sentir que tus compañeros están tan preparados que te retan a ser mejor todos los días. Además, son hiperrespetuosos, hipercolaboradores, tremendamente chambeadores y buenos compañeros. Yo me asombro todos los días.

Has hablado antes de la importancia de que las mujeres generen sus propios espacios. ¿Qué les dirías a quienes tienen miedo de dar ese primer paso? Hay una frase que siempre digo, que “si no te gusta dónde estás, muévete”. Sé que suena fácil, pero a veces esperamos encontrar el momento justo, la situación perfecta o tener todas las respuestas para dar ese paso, y no siempre ocurre así. A veces basta con un pequeño movimiento. No tenemos que tener todas las respuestas, tenemos que confiar en el proceso y entender que, con ese primer paso, ya estamos cambiando algo. Hay que confiar en que tenemos la capacidad de lograr lo que queremos y, al dar ese paso, seguramente encontraremos personas que nos acompañen.

¿Sientes que la industria está cambiando en la forma en que apuesta por las mujeres de 40 y 50 años? Yo creo que sí, aunque todavía hay un camino largo por recorrer. Cuando hicimos Soltera, casada, viuda, divorciada, al comienzo no confiaban en una historia protagonizada por mujeres de 40 y 50 años. Nos decían, “queremos de 30. ¿Qué van a contar las de 40, las de 50?”. Y yo pensaba: “Al contrario, mientras más vida tengamos, más cosas tenemos para contar”. Finalmente encontramos ese sí y la película superó el millón de espectadores y está entre las más vistas de la historia del cine peruano. Es bonito ver que esas puertas se van abriendo y que, cuando una se abre, pueden pasar muchas más. Hay historias y personajes de mujeres mayores que están empezando a tener espacio en el cine, la televisión y el teatro. Es esperanzador, aunque también depende de nosotras ser tenaces, convertir esos “no” en “sí” y ver qué pasa.

Los artistas a presentarse confirmados son Hermanos Yaipén, Caribeños de Guadalupe y Daylin Curbelo, y se encuentran en conversaciones con Son Tentación, Yahaira Plasencia, Armonía 10, Marisol, Pamela Franco, Daniela Darcourt, Suu Rabanal, Masiel Málaga, entre otros. Además se acondicionarán 50 stands de comidas de las tres regiones del país.

“El próximo 5 y 6 de diciembre abrirá sus puertas ‘Rústica Fest’ para que el público disfrute de la buena gastronomía peruana, danzas y música con las mejores orquestas y artistas del país. Será un espacio familiar donde esperamos convocar a unas 17 mil personas y con un costo accesible”, señaló Mauricio Diez Canseco.

Padres y amigos

La propuesta contempla actividades dirigidas a los niños ya que contará con un área especial donde habrá 16 ponys, que ofrecerán paseos gratuitos para los más pequeños.

“Queremos que sea un espacio familiar, donde puedan disfrutar tanto los adultos como los niños”, resaltó Diez Canseco, quien reapareció junto a sus mellizos y la madre de ellos, la cantante salsera de nacionalidad cubana, Dailyn Curbelo.

“Hermanos Yaipén estrenará en Rústica Fest temas que serán parte de una producción de lujo que contará con importantes colaboraciones cuyos nombres aún no podemos revelar”, anunció su líder Walter Yaipén, quien junto a toda su agrupación se alistan para celebrar a lo grande 26 años de trayectoria.

Por su parte, la cantante salsera Dailyn Curbelo expresó su enorme satisfacción de haber retomado con éxito su trabajo artístico tras haber traído al mundo a sus mellizos Doménico y Valentina hace 1 año y 5 meses, frutos de su relación sentimental con Mauricio Diez Canseco.

Fue propicia la oportunidad para que Mauricio y Dailyn negaran ser nuevamente pareja a pesar de los gestos de afecto de ella hacia él.

“Ella siempre es muy cariñosa conmigo y lo mismo yo, eso lo malinterpretó Aixa (Sosa) y se fue a la Argentina, se molestó, bueno las cosas pasan por algo. Pero el cariño que yo tengo para Dailyn es grande, ella lo es todo porque es la mamá de mis cachorritos, ella está pegada a ellos todo el día, ella es mamá, es mi amiga, es mi cómplice”.

En esta puesta en escena, Wendy Vásquez Larraín asume el desafío de interpretar a Tessa, una abogada acostumbrada a defender las reglas del sistema hasta que una experiencia personal la coloca al otro lado del estrado. A partir de ese momento, la mujer que conocía cada mecanismo de la justicia tiene que enfrentarse a sus propias limitaciones.

El resultado es un trabajo actoral de enorme exigencia. Wendy sostiene prácticamente sola una obra de ritmo intenso, atraviesa distintos tiempos y emociones y lleva al escenario una historia que habla de una víctima y también cuestiona la forma en que la sociedad entiende el consentimiento, la violencia sexual y la justicia.

Conversamos con la actriz sobre el reto de interpretar a Tessa, lo que ocurre cuando mira a las mujeres del público, las historias que ha recibido después de cada función y el mensaje que espera dejar, especialmente entre los jóvenes. Prima Facie se presenta en Lima hasta este domingo 27 de septiembre en el Teatro La Plaza.

Hay un momento en Prima Facie en que Tessa mira directamente al público y plantea que, si miramos a nuestra derecha o izquierda, probablemente encontremos a una mujer que ha sido víctima de una violación. ¿Qué te pasa cuando haces esa pregunta y empiezas a mirar rostros concretos? Es fuerte, me conmueve un montón porque sí siento que probablemente esas mujeres a las que yo estoy viendo han vivido eso. Siempre miro a mujeres y siempre señalo a mujeres. Específicamente busco dónde hay tres mujeres juntas en el público y alguna mi inconsciente la señala y sí siento: “Wow, o sea, una de esas tres ha vivido eso”. Estadísticamente es muy probable que una de esas tres que están sentadas juntas haya pasado por eso y eso me conmueve un montón. No siento que sea algo que tengo que conducir o jalar, sino que naturalmente está ahí porque, además, el ejercicio de hacer un personaje es esencialmente un ejercicio de empatía. Tienes que realmente ponerte en ese lugar. Y es bien bonito que esta obra nos ofrezca esta posibilidad.

En la obra aparece con mucha fuerza el tema del consentimiento. ¿Descubriste algo sobre este tema mientras preparabas a Tessa? Cuando uno trabaja un material, empieza a verlo por todos lados. Eso pasa también cuando los actores creamos un personaje. De pronto estás pensando en un tema, tienes curiosidad por conocer más y tu cerebro empieza a mostrarte cuánto de eso hay en tu vida cotidiana. Cuando empezamos a explorar este material, empecé a notar cuántos casos de mujeres abusadas hay a nuestro alrededor. Creo que siempre lo hemos sabido. La agresión sexual es un tema demasiado presente en nuestras amigas o en una misma. Entonces sí me ha pasado que he empezado a ser consciente y a ver denuncias por todos lados, de mujeres famosas y no famosas en las redes.

¿Qué mensaje te gustaría dejarles a los jóvenes respecto al consentimiento? Hay un cambio importante que hacer a nivel de cómo se gestiona la justicia desde el ámbito legal. Sin embargo, hay otro aspecto en el que sí tenemos injerencia todos y todas, que es la prevención y cómo educamos a nuestros hijos y nuestras hijas. Yo tengo dos hijos pequeños. Son muy pequeños todavía, ni siquiera pueden ver la obra, pero siempre trato de ser muy clara con ellos en el consentimiento de todo, de besos, abrazos, cómo saludo. Y siempre les digo: “Un no es suficiente, un no”. El no no se tiene que repetir. Sería muy lindo que vayan muchos jóvenes, hombres, mujeres, adolescentes, que las mujeres puedan ver cómo estas cosas no se callan. Si alguna vez tienes la terrible suerte de que eso te pase, no se calla. Esto se habla. Y los hombres que vean que con esto no se juega. Un no es un no. Creo que, para los hombres jóvenes, bueno, y adultos también, evidentemente, pero sobre todo a los jóvenes, que todavía son personas mucho más flexibles y creo que el futuro está ahí, es que quede muy claro que, si no hay un sí expreso y convencido, es un no y uno se tiene que detener ahí. Entonces sí creo que la prevención está en nuestras manos y que tenemos que llevarla a cabo todos y todas desde todos los lugares en los que podamos hacerlo.

Después de las funciones, ¿qué comentarios has recibido de las mujeres que han visto la obra? Muchísimo, muchísimo. Me escriben muchas mujeres. Me dicen: “Wow, o sea, me has hecho revivir mi propia historia y poder sentirla”. Yo creo que eso es bien importante porque además siento que el arte nos ofrece a todos la posibilidad de sentir cosas que a veces en nuestra vida cotidiana no nos atrevemos a sentir porque el arte nos da esa licencia de estar en un lugar seguro para hacerlo. Muchas mujeres han vivido una experiencia así, nunca se han atrevido a denunciarlo, nunca se han atrevido a llorar ese dolor y de pronto se encuentran con un material que les permite, en ese espacio seguro, sentir eso que estaba guardado, reprimido y encapsulado. Y solo sentirlo es muy sanador, solo permitirnos ver, sentir nuestras emociones, que además culturalmente nos enseñan a reprimir hasta de manera muy inconsciente. Muchas mujeres me escriben diciéndome: “He podido sentir esto, o sea, llorar esto”.

Tessa pasa de ser una abogada que conoce las reglas del sistema a convertirse en una víctima que tiene que enfrentarse a él. ¿Qué parte de esa transformación fue más difícil? En general, yo creo que el material en su totalidad es muy retador porque hay saltos de tiempo, el texto te ofrece un espectro muy grande de situaciones, emociones, experiencias por las que transita el personaje. Eso es un regalo para una actriz, evidentemente, porque es como un abanico muy amplio de situaciones, temperaturas y colores por los que tienes que atravesar. Sin duda, la parte más retadora es cuando ya se da la violación y todo el proceso posterior, en el que ella se enfrenta a este sistema tan duro, que es tan cruel con ella. Yo creo que, sobre todo, el reto en ese tipo de situaciones escénicas es un reto puramente emocional. Es casi preparar tu alma y tu corazón para habitar ese material y para poder permitir que eso te atraviese.

¿Cómo consigues entrar y salir emocionalmente de una historia tan fuerte? Los actores tenemos claro que no somos los personajes y que las experiencias que vive el personaje no las estamos viviendo nosotros. La realidad es que, mientras cuentas la historia, sí tienes que vivirla. Desde tu imaginación, tienes que imaginar plenamente que estás atravesando eso. Hay que tener mucha valentía para estar abierto a habitar esa historia muy genuinamente. En este montaje he encontrado mis propios rituales para entrar y salir de esas historias. Hay que pedirle permiso al personaje y a mi cuerpo para habitar eso y dejar claro que no soy yo, que es una historia que voy a contar para beneficio de las personas que están ahí. Luego hay que poder salir y dejar al personaje en el teatro y no llevárselo a casa. Siento que tiene que haber esa disposición a ser canal para contar esta historia desde un lugar muy verdadero y no fingir. Yo creo que actuar es lo contrario a mentir. Uno no está mintiendo nunca. El trabajo es tener la valentía suficiente para estar abierto y contar esa historia desde la verdad con la que uno pueda conecta

Tú interpretas una experiencia que no has vivido personalmente. ¿Qué has descubierto sobre la imaginación y la actuación a partir de Tesa? Cuando recién estaba estudiando actuación, yo siempre pensaba: “¿Cómo voy a hacer esta escena si yo no he vivido eso?”. Con los años uno se va dando cuenta de que, en realidad, uno no trabaja desde la realidad de sus experiencias, sino desde la imaginación. Y en esa imaginación yo siento que hay una conexión en algo más grande que uno. Creo que soy una persona súper espiritual, creo que siempre veo algo más allá de lo concreto, pero sí siento que hay algo más grande que uno con lo que uno se conecta cuando está haciendo un personaje. En esa dimensión es como que puedes acceder a una sabiduría que no está en tu mente ni en tus propias experiencias. Desde mi imaginación puedo conectar con este colectivo de personas que sí han pasado por esa experiencia. Para mí, ahora más que nunca en este personaje, pero también lo he vivido en otros personajes, es para mí siempre una ofrenda para todas las mujeres que sí han vivido eso. Yo no lo he vivido, pero soy consciente de que muchas mujeres sí lo han vivido. Entonces es honrar a esas mujeres que sí y contar esa historia.

Cuando Juan Carlos te propuso interpretar a Tesa, ¿qué fue lo que te conectó con el texto? Cuando Juan Carlos me habló de esta posibilidad, yo ya sabía que él había hecho el montaje en España. Felizmente, no lo había visto. Sabía muy poco, sabía de qué se trataba, como la premisa general. Leí el texto y me impactó muchísimo, no solo el tema que aborda, sino la manera en la que está escrito. Creo que es un texto brillante de la autora Suzie Miller, que puede plasmar con mucha inteligencia y mucha sensibilidad, de una manera muy potente, lo que pasa en una mujer cuando vive una experiencia como esa. Lo hace de una manera muy sensible y muy inteligente. Me encantó. Sentí que conectaba muchísimo con ese material y, en general, yo siento que ese siempre es mi criterio cuando leo un material para saber si quiero hacerlo o no. Mi único criterio, te diría, es sentir si eso me resuena en el cuerpo, o sea, si hay algo que yo siento que quiero contar en todas mis vidas, en mi cuerpo, en mi corazón, en mi alma. Y eso lo sentí clarísimamente.

La obra tiene muchísimo texto y un ritmo intenso. ¿Qué significó enfrentarte a un monólogo de estas características? Yo nunca, en general, me había puesto nerviosa antes por la cantidad de texto de una obra. Siento que tengo buena memoria, pero esto ha sido un desafío tremendo porque, además, la obra tiene un ritmo muy vertiginoso. No hay como tiempo para pensar ni un compañero en el que te puedes apoyar para salvarte. A mí me encantan los retos. Me encanta hacer cosas que me asustan, que no sé cómo hacer y que, en un punto, siento que no voy a poder. Esa sensación de tener la posibilidad de ir un poquito más allá de mis propios límites me encanta. Me parece que no hay nada mejor para un actor o una actriz que hacer un material que te presenta un desafío tan importante. Creo que en esos desafíos es donde uno crece y aprende más. Es muy aburrido hacer cosas que uno ya sabe hacer o que son fáciles. No hay nada más divertido ni un privilegio más grande que poder hacer algo que te vulnera y te hace ir más allá de lo que ya conoces.